PopObscure

2010-04-23T12:39:00.000-07:00

LIST OF MOST IMPORTANT, OR MOST INFLUENTIAL, OR AT LEAST MOST INTERESTING COMPOSITIONS AND RELEASES BETWEEN 1959 AND 1979.

This chronology is built upon lots of sources (to name thankfully the most important one: Piero Scaruffi´s great webside), and of course on my own subjective preferences. It´s not accomplished. Suggestions are welcome.

1959

LA MONTE YOUNG, Foundation of Fluxus movement

MORTON SUBOTNICK, TERRY RILEY, PAULINE OLIVEROS, Foundation of the "Tape Music Center" San Francisco

GIACINTO SECLSI, Quattro Pezzi su una nota sola (Alteration in all manners)

MAURICIO KAGEL, Transicion II (the first piece to call for live tape recorder as part of performance. The work was realized in Cologne. Two musicians perform on a piano, one in the traditional manner, the other playing on the strings and wood. Two other performers use tape recorders so that the work can unites its present of live sounds with its future of pre-recorded materials from later on and its past of recordings made earlier in the performance)

TEIJI ITO, Meshes for the Afternoon (Soundtrack)

JOHN FAHEY, Blind Joe Death

CARL ORFF, Oedipus der Tyrann

MILES DAVIS, Kind Of Blue (Columbia) (Cool Jazz)

BO DIDDLEY, Go Bo Diddley (Checker)

ORNETTE COLEMAN, The Shape of Jazz to come (one of the first avant-garde jazz albums)

CHARLES MINGUS, Mingus Ah Um

THELONIOUS MONK, Thelonious Himself (includes Round Midnight)

WOLF VOSTELL, TV dé-coll/ages (electronic Fluxus work inspired by Stockhausen)

THE STAPLE SINGERS, Uncloudy Day (Vee Jay Records) (Gospel)

1960

JOHN CAGE, Cartridge Music (live, indeterminant electronics)

PIERRE BOULEZ, Pli selon pli

GYÖRGY LIGETI, Atmospheres (tone mass)

IANNIS XENAKIS, Orient-Occident (electronic, twocanal tape)

IANNIS XENAKIS, Herma, für Klavier

KRYSZTOF PENDERECKI, Threnody for the victims of Hiroshima (52 strings)

LUIGI NONO, Intolleranza

LUIGI NONO, Omaggio a Emilio Vedova

ORNETTE COLEMAN, Change of the Century (Atlantic)

ORNETTE COLEMAN, Free Jazz: A Collective Improvisation

LA MONTE YOUNG, Compositions 1960

JOHN COLTRANE, Giant Steps

ERIC DOLPHY, Out there

MAX ROACH, We insist!- Freedom Now

BERNARD HERMANN, Psycho (Soundtrack)

JOE MEEK, I hear a New World - an Outer Space Music Fantasy

1961

BENJAMIN BRITTEN, War Requiem

JOHN CAGE, Music for Carillon 4

LUCIANO BERIO, Visage (extended vocal techniques and electronics)

PAULINE OLIVEROS, Sound Patterns (extended vocal techniques)

KRZYSZTOF PENDERECKI, Threnody for the Victims of Hiroshima (52 strings)

GIL EVANS, Out Of The Cool (Impulse)

BILL EVANS, The Village Vanguard Sessions/Move from the Vanguard (Milestone)

OLIVER NELSON, Blues and the Abstract Truth (Impulse)

JIMMY GUIFFRE, Fusion (chamber free jazz)

HOWLIN WOLF, Rocking Chair

THE TOKENS, The Lion Sleeps Tonight (uses operatic singing, Neapolitan choir, yodel, proto-electronics)

ROGER REYNOLDS, ROBERT ASHLEY & GORDON MUMMA, Organization of the first ONCE festival of avantgarde music at Ann Arbor (Michigan)

LA MONTE YOUNG, Creation of the "dream house", where the environment is part of the music

CECIL TAYLOR, New York City R&B

LEE KONITZ, Motion (Verve)

ROBERT MORRIS, Box With The Sound Of Its Own Making

1962

MILTON BABBITT, Ensembles for Synthesizer (1962-64)

IGOR STRAVINSKY, A Sermon, a Narrative, and a Prayer

BOOKER T & THE MG'S, Green Onions (Stax)

THE BEACH BOYS, Surfin´Safari

LENNIE TRISTANO, The New Tristano (Solo with no overdubbing)

DUKE ELLINGTON, Money Jungle

JOE HARRIOTT, Abstract (Jamaican-british alto sax/ Free Jazz)

1963

MORTON FELDMAN, Christian Wolff in Cambridge (obscured structure)

JOHN CAGE, Variations IV (electronic collage for an art exhibit opening)

LUC FERRARI, Hétérozygote (musique anecdotique)

HARRY PARTCH, And on the Seventh Day Petals Fell in Petaluma (chamber)

CORNELIUS CARDEW, Treatise (1963-67)

LOU HARRISON, Pacifika Rondo („around the circle of the Pacific“)

CHARLES MINGUS, The Black Saint And The Sinner Lady (Impulse)

LA MONTE YOUNG, Sunday Morning Blues

THE WILDE FLOWERS, the beginning of the Canterbury school

MARVIN GAYE, Can I get a witness (anthem of british mod)

PIERRE HENRY, Rock Electronique

THE BEATLES, Please, Please Me (debut)

JACKIE MCLEAN, Destination Out!

CHARLES MINGUS, Mingus, Mingus, Mingus, Mingus, Mingus

1964

ROBERT MOOG, sells the first Moog synthesizer

KARLHEINZ STOCKHAUSEN, Mikrophonie I (1st „live electronic music“)

HARRY PARTCH, And on the Seventh Day Petals Fell in Petaluma (new instruments and intonation)

IGOR STRAVINSKY, Elegy for JFK

LUIGI NONO, La fabbrica illuminata (4-track-Tape and sopran solo)

TERRY RILEY, In C (first minimal music)

LA MONTE YOUNG, The Well-Tuned Piano (just intuned piano, minimal)

TONY CONRAD, Four Violins (released 1997) (new musical language of buzzes, rasps, and flutters)

EZZ RECO & THE LAUNCHERS, King Of Kings (Columbia)

ALBERT AYLER TRIO, Spiritual Unity (ESP) (free avantgarde forms)

THE KINGSMEN, Louie Louie (Scepter/Wand/Forever) (Garage Rock)

ERIC DOLPHY, Out To Lunch! (with Freddie Hubbard and Bobby Hutcherson)

VARIOUS ARTISTS, A Collection Of 16 Tamla Motown Hits (Tamla Motown)

BOB DYLAN, Mr Tambourine Man (begin of psychedelic music)

THE ROLLING STONES, The Rolling Stones (debut)

OTIS REDDING, Pain in My Heart

NINA SIMONE, Nina Simone in Concert

CECIL TAYLOR, Unit Structures

ANDREW HILL, Point of Departure (complicated time-signature changes and angular movements)

1965

BERND ALOIS ZIMMERMANN, Die Soldaten

WITOLD LUTOSLAWSKI, Second Symphony („limited aleatoricism“)

JOHN CAGE, Rozart Mix (electronic collage)

GYÖRGY LIGETI, Requiem (tone mass micropolyphony)

IANNIS XENAKIS, Terretektorh, für 88 Musiker im Publikum verteilt

STEVE REICH, It´s gonna rain (1st phase minimalism)

STEVE REICH, Come Out

HARRY PARTCH, Delusion of the Fury (1965-66) (last work)

SUN RA, The Heliocentric Worlds of Sun Ra, Volume One

ROBBIE BASHO, Seal of the Blue Lotus

THE KINKS, The Kink Kontroversy (Pye)

JAMES BROWN, Papa's Got A Brand New Bag (King 45) (Funk)

BOB DYLAN, Highway 61 Revisted (Columbia)

JOHN MAYALL & THE BLUESBREAKERS, Bluesbreakers (invents Blues-Rock)

THE BYRDS, Mr Tambourine Man (Folk rock, Eight Miles High invents raga-rock)

THE BEATLES, Rubber Soul

THE WHO, My Generation

THE FUGS, The Village Fugs

ARCHIE SHEPP, Fire Music (hommage to Malcolm X)

JOHN COLTRANE, Ascension

BOBBY HUTCHERSON, Dialogue (vibraphone meets avantgarde)

HERBIE HANCOCK, Maiden Voyage

LOWELL DAVIDSON, Lowell Davidson Trio (ESP Disk)

WILLIAM BURROUGHS, Call me Burroughs (ESP Disk / reading extracts)

1966

GYÖRGY LIGETI, Lux Aeterna (Choir a capella)

HANS WERNER HENZE, Die Bassariden (Opera)

CORNELIUS CARDEW, AMMMUSIC — Cardew as an improviser

THE BEACH BOYS, Pet Sounds

THE BEATLES, Revolver

FRANK ZAPPA, Freak out!

THE ROLLING STONES, Aftermath

THE FUGS, The Fugs (Virgin Forest experiments with collage, tapes and world-music)

BOB DYLAN, Blonde on Blonde (first double record and the first concept album of rock music)

THE 13TH FLOOR ELEVATOR, The Psychedelic Sound Of

PAUL BUTTERFIELD, East-West (jam that fuses Afro-American and Indian improvisation)

JEAN JACQUES PERREY & GERSHON KINGSLEY, In Sound From Way Out (electronic pop)

FRANK ZAPPA, Absolutely Free (first Rock Opera)

RED CRAYOLA, Parable Of Arable Land (turns psychedelic rock into abstract sound-painting)

THE INCREDIBLE STRING BAND, 5,000 Spirits (introduces medieval and middle-eastern music into rock and roll)

THE SONICS, Boom (Garage Rock, Proto-Punk)

TIM BUCKLEY, Tim Buckley

SONNY ROLLINS, East Broadway Run Down

MAX ROACH, Drums Unlimited (several tracks that are entirely drums solos)

CECIL TAYLOR, Conquistador

ALEXANDER VON SCHLIPPENBACH, Globe Unity

THE SONIC ARTS UNION, founded by Gordon Mumma, Robert Ashley, Alvin Lucier, and David Behrman

HERBIE HANCOCK, Blow-Up (Soundtrack)

1967

JOHN CAGE, Musicircus (simply invites the performers to assemble and play together)

GYÖRGY LIGETI, Lontano, large orchestra

KARLHEINZ STOCKHAUSEN, Hymnen (electronic collage)

HARRISON BIRTWISTLE, Punch and Judy (Opera)

GEORGE CRUMB, Echoes of Time and the River

TORU TAKEMITSU, November Steps (alternates biwa, shakuhachi and orchestra)

THE BEATLES, Sergeant Pepper's Lonely Heart's Club Band

MORTON SUBOTNICK, Silver Apples of the Moon (Nonesuch)

PIERRE HENRY, Messe pour le temp present (rock mass that mixes symphonic, rock and electronic instruments)

MAURICIO KAGEL, Staatstheater.Szenische Komposition (controvers musictheater)

LUC FERRARI, Presque rien No. 1 "Le Lever du jour au bord de la mer"

NAM JUNE PAIK, Opera Sextronique (Charlotte Moorman´s topless cello performance)

ALVIN LUCIER, North American Time Capsule (use of a prototype vocoder in real time)

JOHN COLTRANE, A Love Supreme (Impulse)

GLOBE UNITY ORCHESTRA, Globe Unity 67 (Fusion of Brötzmanns and Schlippenbachs groups, feat. Jaki Liebezeit)

FRANK ZAPPA & THE MOTHERS OF INVENTION, We're Only In It For The Money (Zappa)

JIMI HENDRIX, Axis Bold As Love (Polydor)

THE VELVET UNDERGOUND, The Velvet Underground and Nico

COUNTRY JOE & THE FISH, Electric Music for the Mind and Body (agit-prop)

THE GRATEFUL DEAD, Grateful Dead (Psychedelic Rock)

JEFFERSON AIRPLANE, Surrealistic Pillow (Psychedelic Rock)

THE ROLLING STONES, Their Satanic Majesties Request

THE FUGS, Virgin Fugs

THE DOORS, The Doors

LOVE, Da Capo (features a side-long track, Revelation)

PINK FLOYD, The Piper at the gates of Dawn (debut)

THE ELECTRIC PRUNES, Mass in F Minor

SLY AND THE FAMILY STONE, A whole new thing (bassist Larry Graham invents the "funk" bass lines)

CAETANO VELOSO, Domingo (founds the "tropicalismo" movement)

ARETHA FRANKLIN, I never loved a Man ( (The Way I Loved You)

ISAAC HAYES, Hot Buttered Soul

1968

MORTON FELDMAN, False Relationships and the Extended Ending

LUCIANO BERIO, Sinfonia (collage)

BENJAMIN BRITTEN, The Prodigal Son

HANS WERNER HENZE, Das Floß der Medusa (Requiem for Che Guevara)

PETER BRÖTZMANN, Machine Gun

ANTHONY BRAXTON, For Alto

SLY AND THE FAMILY STONE, Dance To The Music (Epic)

THE BEATLES, The Beatles (White Album)

JOHN MAYALL, Blues from Laurel Canyon

THE VELVET UNDERGOUND, White Light/White Heat

THE CREAM, Wheels of Fire

JIMI HENDRIX, Electric Ladyland

THE SOFT MACHINE, The Soft Machine

VAN MORRISON, Astral Weeks

WALTER CARLOS, Switched On Bach

JOHN LENNON & YOKO ONO, Unfinished Music No.1: Two Virgins (Tape loop)

LALO SCHIFRIN, Bullitt (Soundtrack)

THE UNITED STATES OF AMERICA, The United States of America (Psychedelic Rock)

BLUE CHEER, Vincebus Eruptum (Proto Metal, Hell´s Angels Party Stomper)

1969

JOHN CAGE & LAJAREN HILLER, HPSCD (interactive music)

MORTON FELDMAN, Between Categories

IANNIS XENAKIS, Persephassa (6 hexagonal percussion sets/antistatic space experience)

BERND ALOIS ZIMMERMANN, Requiem für einen jungen Dichter

TERRY RILEY, A Rainbow in curved air / Poppy Nogood and the Phantom band

CONLON NANCARROW, Studies

ALVIN LUCIER, I am sitting in a room (repeated re-recordings of himself narrating a text)

PETER MAXWELL DAVIES, Eight Songs for a Mad King

ART ENSEMBLE OF CHICAGO, A Jackson in Your House

DON CHERRY, Mu

CECIL TAYLOR, The Great Concert of Cecil Taylor

SUN RA, Atlantis

CHARLIE HADEN, Liberation Music Orchestra

PHARAOH SANDERS, Karma

CAN, Monster Movie

SILVER APPLES, Contact

THE VELVET UNDERGOUND, White Light/White Heat (MGM)

CAPTAIN BEEFHEART & THE MAGIC BAND, Trout Mask Replica (Straight/reissued Reprise)

THE BEATLES, Abbey Road

THE ROLLING STONES, Let It Bleed (London/Decca)

MC 5, Kick Out The Jams

THE STOOGES, The Stooges (Elektra)

JONI MITCHELL, Clouds (2nd)

SCOTT WALKER, Scott 3 (Philips)

TIM BUCKLEY, Happy Sad (fuses folk and free-jazz)

KING CRIMSON, In the Court of the King Crimson (Progressive Rock)

LED ZEPPELIN, Led Zeppelin

1970

JOHANNES FRITSCH, ROLF GELHAAR, DANIEL JOHNSON, Foundation of Feedback Studio of Cologne, first german publisher house run by composers

MORTON FELDMAN, The Viola in My Life I-II

STEVE REICH, Four Organs

GEORGE CRUMB, Black Angels, Thirteen images from the dark land (string qrt.)

CHARLES DODGE, Earth´s Magnetic Field (Columbia-Princeton Electronic Music Center 1961-73)

VARIOUS WHALES, Songs Of The Humpback Whale (Capitol)

DEREK BAILEY, Iskra 1903 (Guitar/ Free Improvisation)

THE SOFT MACHINE, Third (peak of British jazz-rock)

MILES DAVIS, Bitches Brew (first Fusion)

ART ENSEMBLE OF CHICAGO, Les Stances A Sophie

CAN, Soundtracks

KLUSTER, Klopfzeichen

AMON DÜÜL II, Yeti

YOKO ONO, Yoko Ono/Plastic Ono Band

NEIL YOUNG, After the Goldrush

THE METERS, Look A Py Py (Josie)

THE STOOGES, Funhouse (Elektra)

BLACK SABBATH, Black Sabbath (prototype for black metal and doom metal)

LED ZEPPELIN, III

CURTIS MAYFIELD, Curtis

FUNKADELIC, Funkadelic

THE LAST POETS, The Last Poets

1971

STEVE REICH, Drumming

MORTON FELDMAN, Rothko Chapel (static blocks of sound, analogues of Rothko's paintings)

MAURICIO KAGEL, Exotica – Für außereuropäische Instrumente

CORNELIUS CARDEW, The Great Learning Paragraphs 2 and 7

PHILIP GLASS, Music In Twelve Parts (Venture, recorded 1989)

GAVIN BRYARS, Jesus´Blood Never Failed Me Yet (based on one loop)

TANGERINE DREAM, Alpha Centauri

FAUST, Faust

KEVIN AYERS, Shooting at the moon

MAHAVISHNU ORCHESTRA, The Inner Mounting Flame

CARLA BLEY, Escalator over the Hill

YOKO ONO, Fly

ALICE COLTRANE, Astral Meditations

CAN, Tago Mago

CARAVAN, In the land of grey and pink

LED ZEPPELIN, Led Zeppelin IV (Atlantic)

ZZ TOP, First Album

LALO SCHIFRIN, Dirty Harry (Soundtrack)

CHICO BUARQUE, Construcao

LEONARD COHEN, Songs Of Love And Hate

SERGE GAINSBOURG, Histoire de Melody Nelson

SLY & THE FAMILY STONE, There´s A Riot Going On

1972

ALFRED SCHNITTKE, 1. Sinfonie (1972-74) („sinfonic Apocalypse“)

RAVI SHANKAR & ALI AKBAR KHAN, In Concert 1972 (Apple)

ANTHONY BRAXTON, Town Hall

ORNETTE COLEMAN, Skies Of America

MILES DAVIS, On The Corner

ANNETTE PEACOCK, I´m the One

CAN, Ege Bamyasi

POPOL VUH, In den Gärten Pharaos

NEU!, Neu!

KLAUS SCHULZE, Irrlicht

JOHN CALE, Paris 1919

NICK DRAKE, Pink Moon

JONI MITCHELL, Ladies Of The Canyon (Reprise)

STEELY DAN, Can't Buy A Thrill (Probe)

VAN DYKE PARKS, Discover America

THE ROLLING STONES, Exile on Main Street

DAVID BOWIE, The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars

ROXY MUSIC, Roxy Music

STEVIE WONDER, Innervisions (Tamla Motown)

MARVIN GAYE, Let's Get It On (Motown)

MANU DIBANGO, Soul Makossa (invents Disco music)

1973

LOU HARRISON, La Koro Sutro

TORU TAKEMITSU, Autumn (integrates japanese instruments into orchestral discourse)

MEREDITH MONK, Education of the Girlchild

CAN, Future days

FAUST, The Faust Tapes

TONY CONRAD & FAUST, Outside the Dream Syndicate

NEU!, Neu! 2

PINK FLOYD, Dark Side of the Moon

MIKE OLDFIELD, Tubular Bells

GONG, Radio Gnome Invisible

NEW YORK DOLLS, New York Dolls

BRUCE SPRINGSTEEN, Greetings From Asbury Park, N.J.

BRUCE SPRINGSTEEN, The Wild, the Innocent & the E Street Shuffle

BOB MARLEY, Catch A Fire (Island)

HERBIE HANCOCK, Head Hunters (influential Fusion jazz)

1974

GYÖRGY LIGETI, Le Grand Macabre

KRZYSZTOF PENDERECKI, Als Jakob erwachte aus dem Schlaf, sah er, daß Gott dagewesen war. Er hat es aber nicht bemerkt, für Orchester

WOLFGANG RIHM, Morphonie – Sektor IV

PHILIP GLASS, Music in Twelve Parts

CAN, Soon Over Babaluma (Spoon)

KRAFTWERK, Autobahn

MIKE OLDFIELD, Hergest Ridge

ROBERT WYATT, Rock Bottoms (peak of Canterbury)

HENRY COW, Unrest

THE RESIDENTS, Meet the Residents

BRIAN ENO, Taking Tiger Mountain by Strategy (introduces Postmodernism into rock music)

FRED FRITH, Guitar Solos

IVOR CUTLER, Velvet Donkey

ART ENSEMBLE OF CHICAGO, Fanfare For The Warriors (Atlantic)

BETTY DAVIS, They say I´m different (open sexual attitude)

1975

DMITRI SCHOSTAKOWITSCH, Sonate für Viola und Klavier op. 147 (last work)

JOHN ZORN, Archery (improvisational composition, game theory)

PHILIP GLASS, Einstein on the Beach

BRIAN FERNEYHOUGH, Transit

BRIAN ENO, Another Green World (EG)

GRUPO FOLKLORIO Y EXPERIMENTAL NUEVAYORQUINO, Concepts In Unity (Salsoul)

PATTI SMITH, Horses (Arista)

BOB DYLAN, Blood on the Tracks

LOU REED, Metal Machine Music (pure noise)

NEIL YOUNG WITH CRAZY HORSE, Zuma (with Cortez the Killer)

KEITH JARRETT, The Köln Concert

LEE SCRATCH PERRY, Revolution Dub

1976

STEVE REICH, Music for 18 Musicians (complex minimalism)

ARVO PÄRT, Für Alina (new ascetic style after a long pause)

HENRYK GÓRECKI, Symphony No.3, Symphony of Sorrowful Songs (sacred minimalism)

ANTHONY BRAXTON, Creative Orchestra Music

ART & LANGUAGE / THE RED CRAYOLA, Corrected Slogans (1st Collaboration)

FELA RANSOME KUTI & THE AFRICA 70, Kalakuta Show (Creole)

RICHARD HELL, Blank Generation

THE RAMONES, The Ramones

BLONDIE, Blondie

1977

MORTON FELDMAN, Spring of Chosroes

ARVO PÄRT, Tabula Rasa, Fratres

TORU TAKEMITSU, A Flock Descends into the Pentagonal Garden

VALENTIN SILVESTROV, Silent Songs

CLARA ROCKMORE, The Art of the Theremin

TIM SOUSTER, Swit Drimz (electronic music)

HANS JÜRGEN SYBERBERG, Hitler, A Film From Germany (Soundtrack)

KRAFTWERK, Trans Europe Express (Capitol)

TELEVISION, Marquee Moon

THE CLASH, The Clash (CBS)

THE SEX PISTOLS, Never Mind The Bollocks, Here's The Sex Pistols

SUICIDE, Suicide

WIRE, Pink Flag

NICK DRAKE, Bryter Layter

DAVID BOWIE, Heroes

IGGY POP, Lust For Life

TALKING HEADS, 77

THROBBING GRISTLE, The Second Annual Report (Industrial Records)

AL GREEN, The Belle Album

1978

MORTON FELDMAN, Why Patterns? (breaking down syntax)

JOHN ADAMS, Shaker Loops

GÉRARD GRISEY, Modulations pour trente-trois musiciens (Espaces Acoustiques 1974-85) (Musique spectrale, groupe l’Itinéraire)

DEREK BAILEY, Machine Music (with Fred Frith, Brian Eno, Gavon Bryars)

EVAN PARKER, Monoceros (Incus)

PERE UBU, The Modern Dance (Chrysalis)

DEVO, Q: Are We Not Men? A: We Are Devo!

GANG OF FOUR, Damaged Goods

CRASS, The Feeding Of The 5000

KRAFTWERK, Die Mensch Maschine

BRIAN ENO, Ambient 1/Music for Airports

HAROLD BUDD, The Pavillion of Dreams (works composed 1972-75)

JOHN MCGUIRE, Pulse Music III (postminimalism, combines minimalism and serialism)

1979

WILLIAM DUCKWORTH, Time Curve Preludes (minimal piano)

LUIGI NONO, Fragmente - Stille, An Diotima

PETER SCULTHORPE, Requiem, for cello alone

JOHANNES FRITSCH, Der große Gesang (speaker, mezzo-soprano, countertenor, guitar, trombone, amplified percussion, tape)

INGRAM MARSHALL, Gradual Requiem (includes gambuh, javanese poetry)

ANTHONY BRAXTON, Seven Compositions

PUBLIC IMAGE, LTD., Metal Box (Virgin) (mixes new wave and dub)

THE POP GROUP, Y (Radar) (delivers agip-prop anthems in a style that fuses punk-rock, jazz, dub and funk)

GANG OF FOUR, Entertainment!

THE CLASH, London Calling (mixes punk-rock with reggae, ska, funk, blues)

XTC, Drums and Wires

BUZZCOCKS, Singles Going Steady

THE B52´s, The B52´s

THE SPECIALS, The Specials (british Ska Revival)

GÜNTER BABY SOMMER, Hörmusik (1st Solo)

THIS HEAT, This Heat

THE CRAMPS, Gravest Hits

JOY DIVISON, Unknown Pleasures

NURSE WITH WOUND, Chance Meeting on a Dissecting Table of a Sewing Machine and an Umbrella

CARBARET VOLTAIRE, Mix-Up (Noise)

2010-04-23T12:36:00.000-07:00

Der Mann mit den vielen Schatten

Über Ottomar Domnicks „Jonas“

Von Bastian Tebarth

Das erste Bild zeigt einen mächtigen Turm, von dessen Spitze riesige Scheinwerfer die Nacht mit Lichtsäulen durchschneiden.

Dieser bedrohliche Monolith ist in Wirklichkeit der Stuttgarter Fernsehturm, der 1956 als erster Fernmeldeturm der Welt in Stahlbetonbauweise schnell zu einem technischen Wahrzeichen der Stadt und einem Symbol der Prosperität und Modernität der Bundesrepublik wurde. In Ottomar Domnicks Film „Jonas“ wirkt er wie der Wachturm eines Internierungslagers.

Das Nachkriegsdeutschland, das Domnick in seinem Film zeichnet, ist von einer Angst zerfressen, die tief in den Schatten der modernen, gesichtslosen Architektur der Stadt sitzt. Diese Stadt ist ein Ort, an dem „keine Götter und Helden“ mehr wohnen, ein gottloser Ort, bestimmt durch die nie schlafenden Maschinen, durch Signale, Chiffren und Fassaden. Im Stakkato zeigt Domnick Bilder von moderner Stahlbetonarchitektur, Fenster werden mit Etagengräbern kontrastiert.

Kafka, Cocteau und ihre Kinder

Hinter einem dieser Fenster steht Jonas. Er tritt vor den Spiegel und rasiert sich, auf einem Plattenspieler läuft Duke Ellington mit einer Aufnahme des Songs „I like the sunrise“ von 1947, interpretiert von dem blinden Sänger Al Hibbler. In dem Lied heißt es:

I like the sunrise cos it brings a new day

I like the new day it brings new hope they say

I like the sunrise blazing in the new sky

Nighttime's so weary and oh so am i

Every evening I wish upon a star

That my brand new tomorrow isn't very far

When that heavy blue curtain on night

Is high in the sky way out of sight

I like the sunrise so heavenly to see

I like the sunrise and I hope it likes poor me

Wir ahnen bereits zu Anfang des Films, dass für den Protagonisten die Sonne nicht mehr scheinen wird, dass es keine Erlösung gibt. In den noch zart hoffnungsfrohen Blick des Protagonisten schraubt sich der verfremdete Klang eines Martinhorns: Unten auf der Straße rauscht eine Motorrad-Patrouille der Polizei vorbei, das Gesicht von Jonas verdunkelt sich.

Domnicks Film ist reich an filmischen und literarischen Verweisen, aber auch an Vorwegnahmen. Die paramilitärisch anmutende (Gedanken-)Polizei erinnert an die Todesboten aus Jean Cocteaus „Orphée“ (1950), aber auch an die Atmosphäre des totalitären Staates in Jean-Luc Godards „Alphaville“ (1965) und François Truffauts „Fahrenheit 451“ (1966).

Als Jonas seine Wohnung verlässt, wird er von seiner Haushälterin gestellt: „Einer hat nach dir gefragt“ spricht es zu ihm, und spätestens jetzt tritt der literarische Übervater der Moderne Franz Kafka hinzu und wird uns die Geschichte des Jonas mit der von Josef K. verknüpfen. Auch hier: Domnicks „Jonas“ erscheint zuweilen als eine veritable Kafka-Verfilmung, in vielen Teilen den wenige Jahre später entstandenen „Prozeß“ (1962) von Orson Welles vorwegnehmend. Die Fotographie der Straßen, Plätze und Gebäude erinnert in ihrer symmetrischen Ästhetik an Michelangelo Antonionis frühen Filme. Was als Drehort bei Welles aber Paris und Zagreb, bei Antonionis italienischer Trilogie (1960-62) Rom und Mailand sind, ist bei Domnick Stuttgart. Umso mehr muss man die Kamera-Arbeit von Andor von Barsy loben, der sich zuvor im Dokumentarfilm hervorgetan hatte. Selten hat man im Nachkriegsfilm so überzeugend modernistisch und experimentierfreudig eine deutsche Stadt eingefangen gesehen. Zugleich weist Domnicks und von Barsys filmische Ästhetik zurück auf den Experimental-Film der 1920er: Walter Ruttmann und Hans Richter, der sich zur Berlinale 1957, angesichts des ästhetischen Mutes von „Jonas", positiv überrascht zeigte, standen hier Pate.

„Jonas“ knüpft, wie kein anderer deutscher Film der 50er, an die filmische Avantgarde der 1920er und führt sie konsequent weiter.

Der Hut ist kein MacGuffin

Die Geschichte des Films ist schnell erzählt: Ein Druckereiangestellter mittleren Alters namens Jonas kauft sich einen Hut, welcher ihm kurz drauf in einer Gaststätte geklaut wird. Er entwendet hierauf selbst einen Hut. Doch dieser Hut wird ihn mit seiner Vergangenheit konfrontieren. Im Revers des Hutes findet er die eingestanzten Initialen eines im Krieg im Stich gelassenen Kameraden. Er versucht nun verzweifelt den Hut mit dem Monogramm M.S. loszuwerden, doch das Brandmal seiner Schuld lässt sich nicht tilgen. Alle Versuche sind zum Scheitern verurteilt und Jonas wird immer tiefer in den Sog von Schuld und Sühne hineingezogen.

Man mag das Motiv des Hutes als Motor für die Geschichte als zu simpel oder schlichtweg als verunglückt empfinden. Doch ist dieser Hut kein McGuffin. Domnick insistiert mit einer erstaunlichen Vehemenz auf seiner psychoanalytisch inspirierten Idee eines antiken Schuldfetischs. Und er behält Recht. Bei näherer Betrachtung mag man seiner Chiffre einiges an erzählerischer Kraft zuerkennen.

So ist der mittelhochdeutsche huot ethymologisch auf Decke und Schutz zurückzuführen, in seiner kulturgeschichtlichen Bedeutung war der Hut immer schon Herrschaftszeichen. Das Tragen eines Hutes versprach noch im 20. Jhd. die Teilhabe an einer wirtschaftlich erfolgreichen Gesellschaft, er war neben Anzug und Krawatte modisches Accessoire eines arrivierten Bürgertums. Im Film heißt es: „Der Hutkauf ist die Krönung des kleinen Mannes.“ Zugleich geht dem Kauf des Hutes „im Königsformat“ die Ermittlung des Schädelindexes voraus. Hierfür wird Jonas ein zylinderähnliches Gebilde, der sogenannte Konformateur, über den Kopf gestülpt. Diesen, heute wie aus einer vergangenen Welt wirkenden, Vorgang stellt Domnick als Initiationsritus zur Aufnahme in die Gesellschaft dar: „Jonas geht konform.“

Der Hut mit seinen sozialen Funktionen der Uniformität und der Status-Symbolisierung erfährt bei Domnick eine radikale Umdeutung. Der Hut steht für die Schuld eben jener konsolidierten Gesellschaft. Die Parabel von einem Hut und seinem Dieb erzählt die Geschichte eines Nachkriegsdeutschlands, das sich von seiner jüngsten Vergangenheit abgewendet hat.

Es ist die Geschichte einer versäumten Vergangenheitsbewältigung und einer technokratischen Fortschrittsgläubigkeit, in der sich der überwunden geglaubte NS-Staat widerspiegelt. Bei Domnick durchdringt die Vergangenheit die bundesrepublikanische Gegenwart, sie erzählt sich an dem Schicksal des Jonas, der „Irgendeiner“, „einer von uns“ ist, weiter und bleibt unabgeschlossen. Denn, so wird der Kommentar zum Ende des Films nicht müde zu wiederholen, Jonas bleibt zurück „ohne Antwort“.

Im Wirtschaftswunder der 1950er erlebte der Hut eine letzte Renaissance, bevor ihm die 68er als anachronistisches Symbol des nazistischen Bürgertums den Todesstoß gaben.

Jona und der blinde Fleck der Gesellschaft

Nicht nur der Name „Jonas“ verweist auf das alttestamentarische Buch Jona. Der für den Kommentar verantwortliche Hans Magnus Enszensberger flechtet in seine Sprachcollage Bibelstellen ein, die dem Film eine weitere allegorische Ebene hinzufügen. Jonas verkörpert als Mann „mit dem schlechten Gewissen“ die biblische Figur Jona, die der Ankläger von Ninive war und dessen gottlosen Bewohnern keine Gnade zukommen lassen wollte. Ninive, das ist ein Nachkriegsdeutschland, das sich durch Reparationszahlungen und das eigene Leid entschuldet glaubt und die Vergangenheit ruhen lassen will. Als Jonas mit der Hutverkäuferin Nanni auf dem Fernsehturm steht und über das Neckartal blickt, spricht er aus, was zugleich Bedrohung und Ruf nach Gerechtigkeit zu sein scheint: „Die Scheinwerfer suchen immer noch die Schuldigen unter den Menschen.“

In Domnicks Film ist aber die gesamte Gesellschaft mit ihren Institutionen durchdrungen von einem allmächtigen Verdrängungsmechanismus. Die Polizei-Beamten, die ihn wegen „Missachtung einer Signalanlage“ verhaften, lassen ihn wieder laufen: „Gegen den Mann liegt nichts vor.“ Und die Exekutive des Rechtsstaates befindet im Fall Jonas: „Ein Vergehen gegen seinen verschollenen Freund M.S. konnte dem Betroffenen nicht nachgewiesen werden. Von einer strafrechtlichen Verfolgung ist abzusehen.“

Geradezu wie eine beißende Satire wirkt in diesem Zusammenhang eine Szene, in der Jonas nach dem Diebstahl, von seinem Verfolgungswahn geplagt, in einem Hauseingang hockt. Hinter ihm klebt an der Wand eine Werbung von Dale Carnegies 1949 auf Deutsch erschienenen Bestsellers Sorge dich nicht – lebe!. Auf der anderen Straßenseite überkleben gleichzeitig zwei Plakatierer auf einer Litfaßsäule einen vermeintlichen Steckbrief, auf dem nach dem Hutdieb gefahndet wird.

Selbst der Kamerad, der sein „Opfer“ und sein eigentlicher „Richter“ ist, verleugnet jegliche Bekanntschaft mit ihm: M.S. hat ebenfalls mit seiner Vergangenheit abgeschlossen und verweigert ihre Aufarbeitung.

Auch wenn Domnick die Schuld seiner Hauptfigur an einem Ereignis festmacht, das zwei deutsche Soldaten bei der Flucht aus einem Internierungslager miteinander verbindet, ist dieses Ereignis stellvertretend für all die Vergehen und Verbrechen zu verstehen, die im Namen des NS-Staates begangen wurden. Jonas ist einer von vielen. Einer „von uns“. Sein Schicksal ist das der deutschen Nachkriegsgesellschaft, die, traumatisiert von den eigenen Verbrechen, unfähig ist, sich der Schuld zu stellen.

In diesem Sinne ist „Jonas“ eine Anklage der jungen Bundesrepublik, eine Anklage, die in ihrer Radikalität seines gleichen sucht in der Film-Landschaft der Zeit. Und er ist zugleich eine Bestandsaufnahme der Atmosphäre von Schuldverdrängung und nicht vollzogener Vergangenheitsbewältigung im Deutschland der 1950er.

Erschienen in der Reihe "Momente des deutschen Films" der FAZ

2010-04-23T12:34:00.000-07:00

BERICHT VON DER KUNSTFILM-BIENNALE 2009

Reynold Reynolds & Patrick Jolley - The Drowning Room (2000)

(J.Stoschek Collection 29.10.09 Kunstmuseum Bonn)

Reynold Reynolds - Secret Life (2008)

(Internationaler Wettbewerb "Innere Reise" 30.10.09 Filmforum Museum Ludwig Köln)

Der zehnminütige Film „Secret Life“ von dem aus Alaska stammenden Video-Künstler Reynold Reynolds ist Teil eines dreiteiligen Zyklus´ über grundlegende Bedingungen alltäglicher Wahrnehmung. Er wurde mit dem EMAF-Preis 2008 (European Media Art Festival, Osnabrück) ausgezeichnet.

Reynolds absolvierte zunächst ein Physik-Studium bei dem Nobelpreisträger Carl Wieman und studierte dann u.a. bei Stan Brakhage Experimental Film.

Die aus Schweden stammende Tänzerin, Choreographin, Performancekünstlerin und Stuntfrau Helga Wretman (u.a. Isadora Duncan Dance Company, Stephen Dwoskin, Peaches) ist Protagonistin in Reynolds Studie über Linearität und Zirkulariät von Zeit. Wir sehen sie in einem Apartment mit wildwuchernden Pflanzen in Zeitrafferaufnahmen in Szene gesetzt. Die Kamera schwebt gleichsam über der Szenerie und bewegt sich im Rhythmus des Uhrzeigers. Wir sehen Wretman bei alltäglichen Handlungen wie Duschen und Haarekämmen, doch bereits der Verzehr diverser Früchte scheint sich dem irrwitzigen Rasen der Zeit in einer seltsam anmutenden Fressorgie anzugleichen. Die Zeit scheint zu explodieren, das Raumgefüge beugt sich den zentrifugalen Kräften. Doch nun halten die Bilder inne, man sieht in einem Close Cut Wretmans geschlossenes Augenlid, das sich langsam zitternd öffnet. Die Szene erinnert an Chris Markers legendären „La Jetée“, ein Innehalten diesmal aber in einer Raserei stolpernder Bilder. Eine Zeit-Studie auch über das photographische und das bewegte Bild. Ein technisch wie künstlerisch großartiger Film.

Der ebenfalls zehnminütige „The Drowning Room“ von Reynolds und Patrick Jolley aus dem Jahr 2000 (Sundance-Festival) wurde in einem unter Wasser gesetztem Haus gedreht. Die grobkörnigen S/W-Bilder einer Tischgesellschaft in diffusem Licht erinnern zunächst ein wenig an Ferreris "Das große Fressen" unter verkehrten Bedingungen. Diese Verkehrung durch die Unter-Wasser-Szenerie ist aber erstaunlich subtil realisiert. Allein die leicht verzögerten Bewegungen der Personen und die umherschwimmenden Partikel lassen darauf schließen, dass wir es hier nicht mit normalen Bedingungen zu tun haben. Die Gardinen hängen sackig am Fenster, das Essen bleibt auf den Tellern liegen, den Mündern der Protagonisten entschlüpft nur selten ein Luftbläschen. Durch die Nachvertonung des Filmes mittels auf die Handlungen abgestimmter Geräusche wird dieser Eindruck unterstützt. Selbst ein Kuß und eine Schlägerei (!) wirken nur minimal verfremdet. Diese gleichzeitig augenscheinliche wie subtile Verfremdung schafft eine Atmosphäre, in der die Figuren eigentümlich isoliert und gefangen wirken. Eine direkte Kommunikation erscheint unmöglich. Gleichfalls ein großartiger Film.

2010-04-23T12:20:00.000-07:00

BERND SCHURER beim BROKEN SOUNDS #1-Festival (Köln, Stadtgarten 2009)

Bernd Schurer sitzt an einem kleinen Tisch hinter seinem Macbook. Klassische Bühnenperformance also. Geräteparks sind schon lange nicht mehr von nöten. Hinter ihm ein Flashlight, das im Rhythmus des elektrischen Gewitters Blitze in den dunklen Raum entlädt.

Schurers Soundcollagen erinnern an wilde Autechre-EPs. Dort wo sich Autechre aber zumindest kurzweilig skulpturalen Klangformen hingeben, schießt Schurer bereits die nächsten Klangspitzen. Er scheint eher der expressionistischen Malschule verpflichtet. Was zur Folge hat, dass einige Zuhörer kapitulieren und den Raum verlassen, während sich der Rest tiefer in die Sitze drückt.

Ich schließe irgendwann die Augen und mache mich locker. Das gleißend weiße Licht des Flashlights spielt auf den Innenseiten meiner Augenlider, während ich eine akustische Achterbahnfahrt erlebe. In einer besonders nervtötenden Folge hochfrequenter Töne vermeine ich plötzlich, gerade oberhalb der Hörschwelle, ganz leise so etwas wie eine liebliche Housemelodie zu vernehmen. Zunächst glaube ich, dass das ein Handyklingelton irgendwo hinter mir im Zuschauerraum ist, doch die Melodie bleibt beständig und bildet einen wunderbaren Kontrast zu den ungemein viel lauteren Hochfrequenztönen. Doch dann stürzt die Klangszenerie wieder in irrwitzige Kaskaden hinab. Schurer schenkt sich (und den Zuhörern) nichts. Noch einmal wird er aber diesen kongenialen Effekt mit Hörschwellen ausspielen. Wieder schleichen sich in eine Sequenz unangenehmster hochfrequentiger Töne liebliche Klänge an der Hörgrenze ein, die sich eher wie ein angenehm rhythmisierter Innenohrton anfühlen. Mittels Ohrendruck läßt sich sogar die Lautstärke etwas variieren. Nach gut einer halben Stunde ist der Spuk vorbei. Schurer klappt sein Macbook zu, nickt kurz zum Publikum und verlässt die Bühne. Eine physisch herausfordernde und recht beeindruckende Performance.

Der Schweizer Bernd Schurer (Jahrgang 1970) studierte Philosophie, Filmwissenschaften und hiernach Kunst, im Moment Komposition und Theorie. Er betreibt bereits seit 1996 die Audioplattform www.domizil.ch.

2010-02-02T08:08:00.000-08:00

BROKEN SOUNDS #1 -Bericht, Teil 1 STEN HANSON (November 2009)

Ein älterer Mann mit Krückstock klettert auf die dunkle Bühne, baut sich im Schein eines Lichtkegels in der Bühnenmitte auf und bellt in das Mikrophon: „Verboten! Verboten! Strengstens verboten!“. Immer wieder wiederholt er diese Wortkombination, dann wechselt er ins Englische, dann ins Französische. Zischend und brüllend exerziert er das Wort und seine Semantik. Durch die beständige Wiederholung wird das „Verbotene“ gegen sich selbst gerichtet, sein Sinn ausgetrieben. Aus den Boxen echot es, das gesprochene Wort wird elektronisch vervielfacht, überlagert, es löst sich in Geräusch auf. Der Raum vibriert vom Stakkato eines Wortes, das sich selbst auslöscht. Ein programmatischer Anfang für eine Kunst die zwischen Sprache, Klang und Geräusch agiert.

Dieser kurzatmige, leicht übergewichtige Mann ist der 1936 geborene, schwedische Komponist Sten Hanson. Neben CM von Hauswolff, Leif Elggren und Mats Gustafsson gehört Hanson zu den renommiertesten Vertretern der elektroakustischen Musik in Schweden. Seit den Sechzigern hat er eine große Anzahl verschiedenster Arbeiten komponiert: für Radio und Fernsehen, Ballett-Musiken, Orchesterwerke, elektroakustische Kompositionen für Instrumente und Tape, Computermusik. Und er entwickelte "The electronic text-sound", Vokalkompositionen, die mit elektronischen Verfremdungen arbeiten.

Nach seiner ersten Performance ist er sichtlich erschöpft und muss sich erst einmal setzen. Er erzählt von einer Auftragsarbeit für ein französisches Kulturinstitut, die sich nicht realisieren ließ und seiner schließlichen Überarbeitung einer Komposition seines Kollegen Elggren. Ein Remix sozusagen. Die läßt er auch sogleich einspielen. Er sitzt dabei in sich versunken mit dem Kopf auf der Brust ruhend, nur wenige Male in das Publikum blinzelnd. Konzentriert auf die eigene Arbeit horchend, bewegt er manchmal seine linke Hand, als wenn er die Musik dirigieren würde. Als das Stück zu Ende ist, springt Hanson erstaunlich behend auf und erzählt von einem Erlebnis, das ihn zu seinem folgenden Stück inspirierte. Der Winter 1980 sei der kälteste in New York gewesen mit 40 Grad minus. Am windigen Hudson River waren es gar gefühlte 60 Grad minus.

Hanson nimmt das Mikro in beide Hände formt mühselig stotternd „Nnnnnnnew York, nnnnnnew York“, sein Körper krümmt sich bibbernd in des Winters Kälte in New York im Jahre 1980. Ein „New York“, das zu einem klirrenden Wortgetüm wächst und wiederum ins Geräuschhafte kippt. Gleichsam eine akustisch-perfomative Körpererinnerung, die einen im Zuschauerraum frösteln läßt.

Als letztes Stück gibt er ein „Finale“ zum besten, das folgerichtig als Ausgangsbasis eben jenes Wort benutzt.

Eine minimalistische und humorvolle Performance, die an der Schnittstelle von elektroakustischer Komposition, experimenteller Poesie, DADA und Fluxus operiert.

Nach seinem Auftritt treffe ich Hanson draußen im Regen. Er raucht eine Zigarrette. Etwas wehmütig meint er, dass die klassische elektronische Musik wohl niemanden mehr so recht interessiere, ihre Zeit wäre wohl vorbei. Dann erzählt er von einem Brief, den er Stockhausen anläßlich der drohenden Schließung des Studios für elektroakustische Musik schrieb. Er habe Stockhausen darin ermutigt, sich gegen die Schließung zur Wehr zu setzen und die Wichtigkeit der dortigen Arbeit zu erklären. Er habe ihm aber auch geraten, ja nicht zu erwähnen, daß er selbst, Stockhausen, das Studio weiterbenutzen wolle. Hanson lacht. Wie Stockhausen auf diesen Brief reagiert hat, erzählt er nicht. Er berichtet aber über den am eigenen Leib erfahrenen Größenwahn Stockhausens („Who are you to critisize me?!“) und schließt mit der Bemerkung, dass dieser nun wohl für den lieben Gott weiter komponieren würde. Halb lachend, halb hustend schiebt sich Hanson langsam die Treppe hinauf zurück in den Stadtgarten, um dem nächsten Konzert vom Zuschauerraum aus beizuwohnen.